Autor: ainarequena

«Toda enseñanza es como una balsa:  hecha para hacer una travesía, pero a la que no hay que atarse».

Cito: “En el medio teatral se entiende por improvisación la ‘técnica de actuación donde el actor representa algo imprevisto, no preparado de antemano e inventado al calor de la acción’ (Patrice Pavis, Diccionario del Teatro). La improvisación teatral, medio para hacer surgir al exterior el flujo de la palabra y de las ideas imaginativas, debe ser entendida como una técnica de investigación, como un procedimiento racional para contrastar y verificar las posibilidades dramáticas de una propuesta determinada.

En cuanto a su vertiente pedagógica, la improvisación pertenece a un amplísimo grupo de procedimientos que podemos incluir bajo la etiqueta de técnicas experienciales. Así llamadas porque mediante ellas el sujeto obtiene un conocimiento basado en el descubrimiento de su propio yo y de sus posibilidades potenciales. Para que estas técnicas sean efectivas se ha de contar con la experiencia emotiva, sentimental, psicomotriz, con actos de comunicación y otros aspectos menos tangibles del sujeto de aprendizaje. También la improvisación forma parte de los procedimientos didácticos que se agrupan bajo el denominador común de simulación y juego (…) “

Tomás Motos

¿Y quien es Tomás Motos? Tomás fue el profesor de mi asignatura de Lengua durante el instituto. Un profesor que tuvo la valentía de proponer una actividad extraescolar fuera de lo común. En nuestros centros de enseñanza existía -y existe- la posibilidad de una práctica deportiva o la posibilidad de unas clases de teatro. Pero Tomás aunó ambas cosas para ‘dar clases/entrenar’ en la práctica del Match de Improvisación. Incluyó incluso nuestro grupo en una liguilla externa, entre varios centros educativos de Valencia y, al igual que en una práctica deportiva, se formaban equipos y se celebraron competiciones: con camisetas numeradas, himno inaugural, puntos, entrenador, árbitro… y todo.

Y se lo agradezco. Entré en contacto con algo que echando la vista atrás, 16 años después, me doy cuenta que me abrió la puerta al mundo –profesional- que hoy habito. Y en las últimas semanas tengo la suerte de entrenar de nuevo en ello en un curso que estoy compartiendo con un grupo estupendo de personas… y en inglés. Uso esta técnica para experimentar y ahondar en dos vertientes de la interpretación fundamentales, al menos para mí: EL JUEGO (la imaginación, el ser capaz de soltar una emoción para encontrar rápidamente otra sin anclarse, estar disponible para la tarea…) y LA VERDAD (no juzgarse, estar presente, honestidad). Y lo más divertido de todo será siempre hacerlo con un compañer@, dar y recibir, reaccionar… encontrar otros ojos dispuestos a jugar, ya que el 95% de las veces eso es lo que nos demandarán en el ámbito profesional.

Playtime! It’s all in the game…

Hoy se han presentado las candidaturas a la presidencia de la Academia de Cine que deja Alex de la Iglesia.  Para mí ha hecho una labor excelente. Como homenaje, rescato una entrada de Blog que le dediqué allá por marzo del 2010… Gracias Alex:

«Grande De la Iglesia. Con el discurso de sus primeros Goya como presidente ha hecho referencia a que, además de los visibles ‘cargos creativos’ del cine hay legiones de gentes que son obviadas por el gran público (literalmente él incluyó la palabra ‘trabajadores’, con la carga social que eso implica en estos tiempos de pactos y negociaciones) y nombró varios equipos técnicos y empresas auxiliares que no están en el juego mediático, es decir, su aquel famoso reproche ‘mirarse el ombligo’. En EEUU figuras del cine se posicionan políticamente, es verdad,  pero ni aquella industria sólida es la nuestra ni nuestra casta política es… equiparable? Un integrante del ‘equipo de interpretación’  tiene  -como no-  perfecto derecho a tener una opinión pero a la hora de decidir cómo compartirla pensemos que no somos el único perfil profesional -aunque sí el más visible- en nuestro medio (equipos de iluminación, de cámara, de  vestuario, de dirección…) y que la repercusión que tiene nuestro gremio va más allá de nuestros propios ombligos…

Mientras los políticos y el cuarto poder se tiran los artistas a la cabeza miles de familias que llenan su nevera con esto del cine, que compran los yogures de sus hijos trabajando ‘10horas+una de comida‘ en una industria tan válida como cualquier otra, la imagen que la sociedad tiene del cine se va depauperando.

Es hora de crecer. Es la hora de luchar por dignificar nuestro sector productivo (que crea empleo y riqueza para el país desde la industria cultural). Cineastas tod@s:  fuerza… y honor.»

Lo difícil de conseguir trabajar no es que sea estresante o inestable, es que sea a veces tan breve que debas demostrar todo de lo que eres capaz en una sola sesión, en unas pocas frases.

Todo trabajo consiste precisamente en eso: demostrarle a alguien que puede confiar en lo que haces y que considere la posibilidad de seguir contando contigo (en su proyecto/serie/largo… u oficina o taller o campaña de la fresa).

Desde el punto de vista técnico, mi último episódico:

• Interior/Día/Escenario natural reducido-equipo mínino pero numeroso para el espacio disponible

• Cuatro marcas: primera, dialogar con el otro personaje pegada a un mueble // segunda desplazarse a trastienda, parar de espaldas a cámara pero sin taparse mucho y sin entrar demasiado no perdiendo ángulo del micro que te sigue, darle un poco de volumen al principio y tono confidencial a lo segundo como te acaban de indicar, dialogar con una voz en off hecha por compañera de dirección que habla desde el suelo // tercera volver de trastienda y pararse en dintel del arco para decir la frase final // cuarta volver a primera y cerrar la secuencia sin perder personaje. Todo del tirón, claro (aunque hubo algún paroncito…claro).

• Eliminación de una frase del diálogo justo antes de rodarlo todo. Incorporarlo cuando estés precisamente inmersa en ello.

• Tener a medio metro a quien mira por el combo… y, a pesar de estar mirando enfrente, percibir perfectamente el pequeño gesto de insatisfacción cuando no le has dado ‘el matiz’.  La visión periférica es lo que tiene 😉

• Hacer el contra teniendo que clavar tus entradas y salidas y calculando tu presencia de hombro para no tapar su primer plano. Levantar los objetos de atrezzo, a marca, con el mismo fin.

• Terminar y quitarte de en medio para no molestar en un set abarrotado y que se convierta en un error porque precisamente salen a buscarte ya que hay que grabar un ‘wild track’ de lo de la trastienda. (No hay que salir sin avisar al ayudante de dirección. Lo sabes, nunca lo haces, por eso repatea tanto).

• Hacer el trabajo llegando a un universo perfectamente engrasado, a un equipo que lleva cientos de secuencias y diálogos juntos… y del que tú sólo eres un fugaz punto (y aparte).

Sacar conclusiones de un día… no es tarea fácil. Dar realismo y veracidad a las frases de tu personaje tampoco -pero eso no es algo que incumba al espectador, tienes que salir a flote como sea.

Además los actores disfrutamos con esto, es lo que hay.

En un set ante los retos te creces y un episódico de un día o dos alegra el mes entero.

El día de la emisión se comprobará el resultado final… o no.

En cuanto a Marca Personal dicen que la auténtica reputación no se deriva de lo (bien) que hables de ti, sino de lo que otros digan sobre tu trabajo.
Un amable visitante de esta humilde esquinita web se tomó la molestia (sin ninguna necesidad) de escribir unas letras a través de un formulario de contacto, allá por el 2009, y yo se lo agradezco enormemente (y le guardo el anonimato con sus siglas). Lo guardo desde entonces y dice así:

^{“Sent: Thursday, October 08, 2009 11:55 AM}

^{Subject: Un piropo.}

^{A Aina:}

^{De casualidad he caído en tu videobook, me ha parecido de una naturalidad asombrosa. versátil y fresco.}

^{Mucha suerte, sólo eso, seguro que nos harás llorar y reír. Si algún día llego a rodar algo, me encantará contar contigo. Firmado: XL”}

Gracias  (de la talla más grande que nos queda, X.L.)

Definición de casting que emplea Jaume Melendres (director de escena, escritor y director de la sección de Dirección y Dramartugia del Institut) en su libro «La dirección de los actores. Diccionario mínimo«:

«… el cásting se ha convertido en un ritual destinado -casi siempre- a elevar el prestigio de la producción, o a demostrar la superioridad de los directores de escena sobre los actores y, subsidiariamente, la de los directores de cásting. (…) La práctica actual del cásting se sustenta en el principio de la ‘igualdad de oportunidades’, un principio sin duda defendible en un sistema democrático, pero que -en manos de personas más interesadas por la economía que por el arte- da lugar a pequeñas o grandes corruptelas que tienen, eso sí, la virtud de ser siempre indemostrables. Un verdadero director de cásting no deberá ser la persona capaz de convocar por teléfono a todos quienes están dispuestos a someterse a la tortura de un examen grotesco, sino alguien que gracias a un seguimiento constante de los actores y de las actrices, y sobre la base de conocimientos reales en el arte de la interpretación, proporcionase a los directores de teatro, de cine o de televisión, un listado muy reducido de nombres adecuados para interpretar un personaje determinado y proponer, para cada uno de estos actores, una prueba específica basada en la correspondencia entre determinadas capacidades profesionales y deteminadas singularidades del personaje. El término castellano «audición» se ha vuelto totalmente obsoleto porque proviene de una época en la que las pruebas a los actores se basaban en el examen de sus capacidades elocutivas, mientras que hoy se centran sobre todo en le mero examen del perfil corporal.»